Krieg ist so alt wie die Menschheit. Seit 300.000 Jahren wird irgendwo auf der Welt gekämpft – trotz aller „Nie wieder!“-Rufe. Warum schafft es der Mensch nicht, aus dieser Spirale auszubrechen? „War Games“ untersucht Krieg als performative Kulturgeschichte und gesellschaftlichen Teufelskreis. Gemeinsam mit Kindern und Jugendlichen hinterfragt SKART Macht, Gewalt und Spielregeln.
Dabei entsteht eine vielschichtige Performance mit Theater, Video, Sound, Kostümen und Bühnenbild – vielleicht sogar Tanz. Doch „War Games“ ist kein Kindertheater. SKART und das Team setzen sich radikal gleichberechtigt mit „Erwachsenen-Themen“ auseinander: Was ist Gewalt? Was macht sie mit uns?
Humorvoll, provokant, intensiv – SKART ist im Bereich Kinder- und Jugendarbeit eine der innovativsten Gruppen der deutschen Theaterlandschaft. „War Games“ ist Kunst, Pädagogik und gesellschaftliches Statement zugleich. SKART mischt sich ein – mit einem Knall!
SKART & Friends Charlotte Heidenreich (Performerin), Stephan Janitzky (Künstler), Anton Kaun (Video- & Noisekünstler), Deniz Khan (Musiker), Lea Letzel (Künstlerin & Pyrotechnikerin), Janne Plutat (Kostümbildnerin), Mark Schröppel (Performer & Theatermacher), Dasniya Sommer (Tänzerin & Choreografin), Henrik Weber Mit Karla Bacher, Lionel Barth, Isaac de Mercey, Sophie Einloft, Milan Glück, Anna Haas, Emma Konrath, Lukas Lauser, Nala Ouaffi, Melanie Siebs, Jakob Waldow.
After showing a studio version of ‚Autonomous Avatar‘ by Tobias Staab at Tanzhaus Basel last year, we are now ramping up for Art Basel ^^. Looking much forward to revive the avatars!
Here doing dramaturgy for vAL / Corey Scott-Gilbert‘s new work at Tanztage Berlin 2025/ Sophiensaele. Passionately exploring what a dramatugical approach means from a practical dancers perspective. Thanks for this beautiful collaboration, and the lovely team brought together by Corey.
INTERMISSION
Reality has become so absurd that it’s hard to distinguish fact from fiction and we, simultaneously the viewers and the subjects, are left numb. If our authentic self is being clouded by the ravages of social ills, what do we have that can break through this psychic interference to be shared? The answer could be in our dreams, but what if we are so overwhelmed and oversaturated that we can only stare in a dreamless abyss?
INTERMISSION is a solo work based on a collective archive of dreams, aiming to fill the gaps of a fragmented remembering. By falling through a procession of postures stored in his body’s archive, vAL mines for clarity in a dense fog of disrupted dreams. What memory remains is shared through a stichting of narration, ballad and physical conjurings that start to reimagine what new dreams might sound or look like. The archive is brought to life by his own performative doubt, variability and curated interruption. This relentless pursuit of lost dreams inspires anarchy which ultimately becomes his repair. What may eventually erupt when we sit together in our puzzlement?
This performance features hanging textiles made in collaboration with Luis Alberto Rodriguez and SADAK as well as the voices of Charli Reese Kane, Harvest Shira Shiloah, Kayden Tickner, Stelios Tsatsos, Gus Solomons Jr.
A production by vAL. Originally commissioned by Emerging Change Tanzfestival with the support of Flutgraben Performances Residencies and Sophiensæle. The 34th Tanztage Berlin is a production of Sophiensæle. Funded by the Senate Department for Culture and Social Cohesion. With the kind support of Tanzfabrik Berlin e.V., Theaterhaus Berlin and Uferstudios GmbH. Media partners: Berlin Art Link, Missy Magazine, Siegessäule, taz.
Dates: Thu + Fri 19. + 20.December 2024. And Sat + Sun 4. + 5. Januar 2025.
German text and tickets here
“Breathe in, breathe out. Find a niche in the brutal world until the storm has passed. Breathe in, breathe out. Dealing with the authorities, healthcare forms. Noise & light are no longer a simple joke, but nasty everyday hurdles. Breathe in, breathe out. What happens when the limits of consideration meet the limits of perception? Breathe in, breathe out.”
“Raven” is a symposium, gathering and performance about peak performance and the question of what happens when nothing else works. The frame of reference is the chronic illness ME/CFS, as a chronicised form of Long Covid. Sick and non-ill artists are involved in the conception and design of the event series with various contributions. The title refers on the one hand to the dance and party culture of the 90s, and on the other to the claustrophobic fantasies of forced standstill as sketched by E.A. Poe in his famous poem of the same name.
Over four days, “Raven” creates space for the art that is created with and despite ME/CFS. ‘Raven’ is explicitly designed for sick people, companions and allies, as a theatre in a reclining position, with quiet spaces and landscapes with reduced stimuli.
Cast
Concept, realisation: Showcase Beat Le Mot / Artistic collaboration: Florian Feigl, Christopher-Felix Hahn, Albrecht Kunze / Performance by and with: Philip Albus & Ana Berkenhoff, Catherina Cramer, Katharina Cromme, Gosia Gajdemska, The Millennial Midlife Crisis, Malin Harff, Stephan Hellweg, Clara Heinrich, Anja Ibsch, Sunniva Innstrand, Ania Kolyszko, Josephine Lange, Sophie Lenglachner, Roxane Llanque, Romy Lutze, Sebastian Meissner, Dana Müller, Rebekka Muth, Leonard Nadolny, Carolin Ott, Crash Theater, Johanna Pigors, National Ballet of Kosovo, Julia Sandforth, Louisa Schiedek, Lilia Schliephacke, Showcase Beat Le Mot, Elisabetta Solin, Dasniya Sommer, Birte Viermann, Mirjam Wählen, Sebastian Warne, Lisa Wiedemann, Erik Zürn, 4 Faule Frauen, Dania Alasti, Toni Kritzer, Moritz Andreas Bürge, Amar Halilović, Lukas Kahn Kesler, Black Ferk Studio (Matthias Mollner, Judith Schößbock) /Technical direction: Bart Huybrechts / Production management: Olaf Nachtwey Photo: Michael Shenbrot.
Production: Showcase Beat Le Mot. Co-production: HAU Hebbel am Ufer. Funded by: Berlin Senate Department for Culture and Social Cohesion, Hauptstadtkulturfonds.
Coaching ropes and choreographic kink for Sheena McGrandles new work
‘As long as you want’.
Opening: Wed 6.11.2024 at 20.30pm / Hau2 + 7 + 8 + 9.11. at 20.30pm
The duet “as long as you want” by Sheena McGrandles and Eli Cohen is a choreographic study of lesbian temporalities. The work is inspired by a body of erotic fantasy literature – assembling a cross-temporal arch of female poetic voices. Ancient poet Sappho meets contemporary thinkers such as Anne Carson and Sara Torres, alongside kink and punk practices, including Shibari, gay shadow dance, and pogo. A personal exploration of desire unfolds in a pastel-coloured landscape, with patches of digital renderings and densely knotted denim structures developed together with the visual artist Anna Mirkin.
Through intense physical connections and ambivalent sensations an ongoing choreography of fractured spaces of dis/attachment emerge. Together the performers’ solo bodies meet and melt in a world of never ending waves, rough play, and figures caught in a horizon of want and longing. In this temporary cycle of swellings and throbbings, desire transcends its fleeting nature, revealing transformative, perverse, and polymorphous forces. Playful and engaging, “as long as you want” is a profound choreographic encounter with an impulse of moving toward someone who isn’t yet close enough.
Cast: Concept, choreography and performance: Sheena McGrandles / Performance by and with: Eli Cohen / Music composition: Stellan Veloce / Dramaturgy and Co-concept: Mila Pavićević / Set design: Anna Mirkin / Costume design: Evan Loxton, Nina Loxton /Light design: Elliott Cennetoglu / Choreographic Outside Eyes: Martin Hansen, Claire Vivienne Sobbotke / Shibari Practice with: Dasniya Sommer / Production: Anna von Glasenapp / high expectations / Production Assistant: Katharina Joy Book / Social Media: Dalia Hassan / Distribution: Paz Ponce / Thanks to: Nattan Dobbkin
Sehr besonders 16 junge Performer*innen für ‚War Games‘ von Skart zu choreografieren. Wir haben viel diskutiert wie Jugendliche mit Seilen arbeiten können. Wo Sinnlichkeit anfängt, was das Handwerkliche an Seilen für junge Menschen wertvoll macht oder wie kollektives Knoten einen klaren Gruppenfokus schaffen kann. Schön zu sehen, wie behutsam und caring die Teen-Performer*innen miteinander umgehen. Der Vibe, der untereinander entsteht, wenn zB. 10 von ihnen einen verbinden, durch den Raum tragen oder auch welche Gebilde sie aus den Materialien basteln. More to come!
Ein Projekt von SKART & Friends mit Kindern im Alter von 12 bis 14
Theater der neuen Generation Das ist kein Kindertheater und auch keine Erwachsenenunterhaltung, sondern eine Performance für alle. Das Kollektiv SKART und die Kinder reden über „Erwachsenen-Themen“. Dabei sind sie radikal gleichberechtigt.
Sie beschäftigen sich mit aktuellen gesellschaftlichen Diskursen und machen auch vor dem Thema Gewalt nicht Halt. Was ist Gewalt? Was macht sie mit den Menschen? Und was haben die Kinder aus München dazu zu fragen und zu sagen?
Ein gleichermaßen künstlerisches, pädagogisches und soziales Vorhaben und auch ein Beitrag zur gesellschaftlichen Debatte über den Umgang von Erwachsenen mit Kindern.
SKART ist im Bereich Kinder- und Jugendarbeit eine der innovativsten Gruppen der deutschen Theaterlandschaft. Ihre Theater-Performances sind inspiriert durch Bildende Kunst, Body-, Sound- und Video-Art und Zeitgenössischen Tanz. SKART
Stücke sind augenzwinkernd humorvoll und spielen empowernd mit Tabuthemen, die Erwachsene Kindern gerne mal vorenthalten.
SKART & Friends Mark Schröppel (Performer & Theatermacher), Stephan Janitzky (Künstler), Charlotte Heidenreich (Performerin), Dasniya Sommer (Tänzerin & Choreografin), Janne Plutat (Kostümbildnerin), Anton Kaun (Video- & Noisekünstler), Lea Letzel (Künstlerin & Pyrotechnikerin), Deniz Khan (Musiker)
Premiere : 26. Juni 2025
Therese-Giehse-Halle / Kammerspiele
Reasearching four weeks with Fungi Fung at Ada-Studio . Many thanks to:
Gabi Beier, Maria Ladopoulos and Liisi Hint!
And to our team:
‘Leichte Sprache’ translation and dramaturgical support: Manuel Gerst.
Outside eye: Clara Eckhardt and Akiles.
Critical companion: Melmun Bajarchuu.
There is an online stream of the performance on the Ada-site until Thursday March 21st.
And a text written by studio writer Maia Joseph.
Bildbeschreibung: Fungi Fung in der Performance ‘Yum Yum’. Premiere 2023 am Ballhaus Ost.
In der Bildmitte kniet eine asiatische, weibliche Performerin mit brauner Haut vor weißen Vorhängen und guckt intensiv, konzentriert zum rechten Bildrand. Sie trägt ein armfreies, pink leuchtendes Latex- Oberteil. Ihre kräftigen, durchgedrückten Arme sind auf den weißen Boden gestützt und das lange Haar ist in einem zerzausten Knoten hochgesteckt. Auf dem Boden um sie herum liegen verstreute Requisiten: ein roter Schaumstoffhandschuh, der einer Krabbenhand ähnelt, ein Pflasterstein, im Hintergrund ein weißer Sitzblock und eine durchsichtige Plastiktüte. Vorne ragt ein Wokgriff in das Bild hinein. Man fragt sich, wo die Dramatik in ihrem Gesichtsausdruck herkommt.
Bildbeschreibung: Dasniya Sommer in der Performance ‘Yum Yum’. Premiere 2023 am Ballhaus Ost.
Zwischen farbenfrohen Tüchern kniet in der Bildmitte eine asiatisch-deutsche Performerin neben einem rostigen Wok, der wie auf einem Lagerfeuer auf schimmernden Seilen liegt. Sie trägt ein gelb durchsichtiges Latex-Shirt und hat die Haare locker nach oben geflochten. Vor ihr liegen bunte, leere Yum Yum Nudelverpackungen. Sie dreht sich zum linken Bildrand und richtet ihren Blick auf etwas, das sich außerhalb des Bildes befindet. Gleichzeitig bindet sie sich ein Bondageseil um ihr angewinkeltes Bein. Man fragt sich, was oder wen sie betrachtet.
„SPK – der Sommer Phuong Komplex“ von und mit Dasniya Sommer und Fungi Fung
Fr & Sa, 15. & 16. März 2024, 19 Uhr
Die Choreografin und Tänzerin Dasniya Sommer und die Kampfsportlerin und Lyrikerin Fungi Fung haben die Residenz im ada Studio genutzt, um ihre physischen bzw. psychischen Krankheitserfahrungen performativ zu interpretieren. Von Sommers Sportverletzungen und Fungs klinischer Bipolarität ausgehend untersuchen sie die Beziehung von „krankem“ Individuum und Gesellschaft, Tanz und Mixed Martial Arts (MMA), sowie Bühnengeschehen und Publikum. Kampfsport dient ihnen dabei als tänzerische Metapher für den sozialen Umgang mit Krankheit und Gewalt. Basierend auf einer historischen Recherche zu alternativen Psychotherapiebewegungen nutzen sie u.a. Material des 1970 in Heidelberg gegründeten Sozialistischen Patientenkollektivs (SPK). Dessen Entwicklung von der emanzipatorischen Selbsthilfegruppe hin zur bewaffneten Terrorzelle begreifen sie als radikale Inspiration für eine originäre Tanzpraxis. Der SPK-Slogan: „Aus der Krankheit eine Waffe machen.“ soll so tänzerisch übernommen werden. Auf der Suche nach Antworten auf die Frage, wie choreografierte Szenen über Krankheit, Schmerz, Gewalt in eine möglichst universell lesbare, nicht verletzende Rezeption münden können, waren Formate ästhetischer Zugänglichkeit für Menschen mit und ohne geistige Behinderung von Anfang an Teil der Materialentwicklung.
Konzept, Choreografie & Tanz: Dasniya Sommer | Co-Choreografie, Text & Performance: Fungi Fung | Unterstützung Leichte Sprache: Manuel Gerst | Outside Eye: Clara Eckhardt, Akiles | Dramaturgische Unterstützung: Liisi Hint, Maria Ladopoulos | Critical Companion: Melmun Bajarchuu
„neworks – Aesthetics of Access“ ist eine Performance-Reihe, die sich auf Arbeiten konzentriert, in denen Barrierefreiheit für behinderte, Taube und/oder chronisch kranke Zuschauer*innen ein integraler Bestandteil des künstlerischen Konzepts ist. Nach der Definition von Diversity Arts Culture ist „der Begriff ‘Aesthetics of Access‘ Englisch und bedeutet Ästhetiken der Barrierefreiheit. Er bezeichnet eine Praxis in den Darstellenden Künsten: Barrierefreiheit wird in der Kunstproduktion von Anfang an und mit einem künstlerischen Anspruch eingebaut und nicht nachträglich hinzugefügt“. neworks 2024 – kuratiert von Liisi Hint und Maria Ladopoulos – zeigt im Laufe des Jahres insgesamt drei Arbeiten von Berliner Künstler*innen, die ihre ganz persönliche Perspektive gefunden haben, ihre künstlerischen Prozesse durch Mittel der Barrierefreiheit inspirieren und beeinflussen zu lassen.
Informationen zur Barrierefreiheit und Content Note:
Dauer der Performance: 40 Minuten ohne Pause
Es steht eine begrenzte Anzahl an Sitzsäcken zur Verfügung. Diese sollten bei Bedarf zusammen mit dem Ticket reserviert werden.
Texte und Gedichte in deutscher Sprache sind Teil der Performance.
Auf der Bühne kommen Fesseltechniken zum Einsatz.
Es gibt Erwähnungen von suizidalen Gedanken und eine Erzählung von Erfahrungen mit häuslicher Gewalt.
Das ada Studio ist barrierefrei für Rollstuhlfahrer*innen.
Aufgrund der geringen Größe des ada Studios ist es schwierig, umfassend für eine relaxed performance Sorge zu tragen.
Der Einlass erfolgt unmittelbar vor Beginn der Vorstellung. Für ein Early Boarding sprechen Sie bitte den Abenddienst an.
Bitte schreiben Sie uns eine Nachricht oder rufen Sie uns an, wenn Sie weiteren Assistenzbedarf haben. Wir versuchen, gemeinsam mit Ihnen Lösungen zu finden.
PS: Alle live stattfinden Veranstaltungen im ada Studio werden ab dem 2. Tag nach der letzten live-Vorstellung vier Tage lang auf www.ada-studio.de gestreamt.
PPS: Der virtuelle Besuch unserer Veranstaltungen ist kostenlos. Wir würden uns jedoch freuen, wenn Sie unsere Arbeit unterstützen und ein .com(munity) Ticket erwerben. Alle Informationen dazu finden Sie hier.
Veranstaltungsort:
ada Studio & Bühne in den Uferstudios / Studio 7 Uferstraße 23 & Badstraße 41A 13357 Berlin-Wedding U8 Pankstraße, U9 Nauener Platz, S Gesundbrunnen www.ada-studio.de
There are always new tools to play with in class. For the last two years, after baby pause, it was about finding comfy performative mind sets while training, and reducing ambition.
Or about a physical focus: getting the pelvic floor strong again for jumps, or shoulder alignment after hours nursing with a crooked back. Dreaming of spiral movement patterns, or meditating on contemporary principles like martial arts and Klein-Technique combined with classic technique. Changing attitudes as moving through formal shapes. I like the technical side, and once letting go of it the inner groove takes over. My body much enjoys visiting these same old training context in new stages of life. Less for mastering, but to adapt and transform the handcraft. And, taking the proprioceptive critic by the hand to stay in a warm conversation with bones even o-40. Big thanks to Jo Siska for endless sweaty classes and for opening a creative ballet space in Berlin, Studio für künstlerischen Tanz.
